Grandes Albuns III

 

The Lamb Lies Down On Broadway (1974)

Embora 1974 possa ser visto como o ano do apogeu dos excessos do rock progressivo, este album é sombrio e frágil, com uma instrumentação frugal. Gravado na zona rural do País de Gales numa época difícil para o Genesis - os vocais de Peter Gabriel foram registrados à parte, no Island Studios, em Londres -, o disco, na verdade, mostra o grupo em sua melhor forma.

Gabriel, naqueles tempos, era considerado um compositor sério e tomou para si a tarefa de escrever um Pilgrim´s Progress (O Peregrino) moderno. A obra conta a história de Rael, um punk de rua porto-riquenho que se veste todo de couro. Um dia ele vê um cordeiro - isso mesmo - deitado em plena Broadway. Pode-se questionar se alguém, inclusive Gabriel, entendeu a história, mas o album duplo contém sua letras mais consistentes e a performance instrumental mais expressiva da banda.

"Back In NYC", mais tarde revisitada por Jeff Bucley em suas últimas gravações, é um anuncio do punk; "In the Cage", com oito minutos, marca o climax do album, assim como "Supper´s Ready"; "Carpet Crawlers" foi outro hino do grupo; e "The Chamber Of 32 Doors" permite que Gabriel libere a soul music na qual havia mergulhado quando era adolescente.

O album, que tem uma capa limpa e moderna, foi finalmente lançado, sob aplauso geral, em 1974. É um disco de vocalista, o que explica por que os musicos o odiaram e por que Gabriel o adorou. É claro que ele não teria mais tanta liberdade no Genesis e, ao final da exaustiva turnê mundial para a divulgação do album, Gabriel deixou o grupo.

 

 

Aqualung - Jethro Tull

Dois filmes clássicos de Christopher Guest vem a mente quando se ouve o Aqualung, do Jethro Tull: This is Spinal Tap e A Mighty Wind. O primeiro é um falso documentário heavy metal; o segundo retrata um grupo de folck fictício. De Aqualung em diante, o Tull passou a ser enquadrado no gênero do primeiro filme, mas sua inspiração vem do estilo musical do segundo.

A faixa-título abre o álbum com o ecletismo típico da banda. Num primeiro momento, surge o dedilhar de um violão tranqüilo e um piano civilizado; no seguinte, é a vez do baixo frenético e de passagens de bateria - tudo isso coroado por um solo firme de guitarra. "Cross-Eyed Mary" segue um padrão mais tradicional. A flauta característica do vocalista Ian Anderson paira sobre a pulsante linha de baixo de Jeffrey Hammond e os floreados arranjos orquestrais de David Palmer. A música, então, se submete ao reinado da guitarra, embora o piano, os sininhos e a volta da flauta de Anderson desafiem o rock potente do núcleo formado por guitarra, baixo e bateria.

As letras de Aqualung se encaixam numa fantástica narrativa que se desenrola ao longo do álbum e se baseia, em parte, nas experiências de um sem-teto. Essa história faz com que a música singular do disco esteja vinculada a uma mensagem de conscientização, própria da época. O conceito é estabelecido pelo texto da contracapa do album - uma leitura distorcida do primeiro capítulo do Gênesis. Na versão do Tull da narrativa biblica, o homem criou Deus e, depois, o Aqualung.

O disco tornou-se um marco instigante do prog-rock-folk. Sua temática não impediu que as faixas cheias de riff fizessem sucesso nas rádios - nem que o album vendesse milhões de cópias.

 

 

Close to the Edge - Yes

Este album é a apoteose do rock progressivo. Antes de mais nada, traz o enigmático design da capa de Roger Dean, numa embalagem que tanto serve para ser admirada como para enrolar cigarros de maconha. A lista de musicas é outro destaque com apenas três faixas, sendo duas em quatro movimentos, numa estrutura semelhante à de uma sinfonia. Ao tirar o disco da capa, as letras obscuras e deliciosas de Jon Anderson se revelam em toda sua glória.

A melodia de Close to the Edge é uma maravilha. Se o Yes havia mostrado talentos individuais em Fragile, lançado no mesmo ano, neste álbum a banda forja um todo mais coeso, alcançando o equilíbrio entre a estética e a audácia. Sua visão eclética faz com que o grupo vá de um jazz furioso ao floreado gótico do orgão, passando pelo balanço do rock - um passo em falso e tudo se desmantela. No entanto, o disco apresenta um time de músicos brilhantes, cada qual procurando ampliar os limites da linguagem do rock. Os ritmos melódicos de Bill Bruford e Chris Squire formam a base perfeita para as linhas da guitarra funky, com pinceladas orientais, de Steve Howe e para o rococó dos teclados de Wakeman. No centro está o timbre agudo de Jon Anderson. Essa mistura podia não ter funcionado, mas deu certo - e lindamente.

O equilíbrio frágil de seu trabalho era bom demais para durar. Bruford deixou a banda logo depois de terminar o LP para se juntar ao King Crimson. O lançamento seguinte do Yes, Tales From Topographic Oceans - um álbum duplo com quatro músicas - acabou sendo uma tentativa ambiciosa demais do grupo para se superar.

 

 

C´est Chic - ChIc

A dance music moderna deve muito ao Chic. Influenciados pelo Roxy Music e pelo Kiss, assim como pelo R&B, Nile Rodgers(guitarra), Bernard Edwards(baixo) e Tony Thompson(bateria) formaram a banda-chave da era disco. Eles criaram um ritmo fluido e hipnótico que ressoa até hoje.

C´est Chic foi o segundo e melhor álbum da banda, impulsionado por dois singles que ficaram entre os 10 Mais nos Estados Unidos: “I Want Your Love” é um estudo elegante sobre o fim de uma relação, com seu compasso em quatro notas ecoado por metais, sinos, cordas e um ardente coro feminino, enquanto o trio principal fazia seu trabalho mágico. O retrato do grupo, feito por Joel Brodsky para a capa, pode dar a idéia de um bando de alpinistas sociais, mas havia uma emoção fervente por trás desse exterior anódino.

Os rifs curtos e rápidos de Rodgers na eufórica “Le Freak”, primeiro lugar nas paradas, anteciparam o estilo pós-punk de guitarra que hordas de músicos continuam a imitar até hoje. A encorpada linha de baixo de Edwards parecia feita para ser sampleada pelo nascente movimento rap. As outras faixas apresentam uma variedade e uma confiança extraordinárias, abrangendo baladas sombrias (“At Last I Am Free), apelos à dança (“Chic Cheer”), instrumentalismo cinemático(“Savoir Faire”) e excentricidade total (“Funny Bone”).

Infelizmente, o álbum seguinte do Chic, o estranho e melancólico Risqué, foi seu último grande sucesso. O clima cultural dos Estados Unidos ficou hostil, embalado pela campanha venenosa – e implicitamente racista – contra a música disco. De forma irônica, as mesmas pessoas que encenaram as queimas em massa dos LPs do Chic compraram, mais tarde, os hits disco do Queen, Rolling Stones, Rod Stewart e The Clash.

 

 

Physical Graffiti - Led Zeppelin (1975)

Embora o Led Zeppelin não possa ser responsabilizado pela homogeniedade machista do heavy metal que inspirou, Physical Graffiti foi um álbum ambicioso e de entrega a lúxuria. Sexto disco do Zeppelin e o primeiro a sair pelo seu próprio selo, Swan Song, Physical Graffiti tem um espírito nômade - consiste em sessões interrompidas tanto pelo fato de John Paul Jones ter caído doente como pela falta de um estúdio disponível.

Os quatro lados em vinil deram espaço para experimentações, A capa inovadora, composta de janelas recortadas que revelavam uma imagem impressa na parte interna, embalava rock´n´roll cru e fiel as raízes ("Boggie With Stu"), além de preciosas miniaturas folk ("Bron-Yz-Aur"), funk-metal ("Trampled Under Foot"), rock progressivo mordaz ("In The Light") e pop rápido ("Dow By The Seaside").

Inspirada pela recente viagem de Plant e Page ao Marrocos, a colossal "Kashmir" é um monstro de pseudomisticismo e exotismo, com as cordas vigorosas do Mellotron de John Paul Jones formando melodias modais, e John Bonham, monolítico, na bateria. O improviso épico de "In My Time Of Dying", composta enquanto era gravada, traz o som indistinto da slide guitar de Jimmy Page, e a banda troveja com uma força da natureza (uma clara influência nos White Stripes). "Ten Years Gone" é a faixa mais surpreendente: um lamento tocante e sentimental de Robert Plant sobre o amor que ele deixou para se juntar à banda. O solo final de Page prova até que ponto o Zeppelin podia ser suave, quando queria.

Physical Grafitti representa o auge do Led Zeppelin e é, até hoje, um álbum estonteante.

 

 

Agharta (1979) - Miles Davis

Agharta, composto explosivo fabricado no Japão, traz o genial trompetista norte-americano em um momento solene de fúria jazzística. É o ápice, a consumação estética da chamada "fase elétrica" de Miles Davis. Está entre os três álbuns mais psicodélicos de todos os tempos, e entre os 10 maiores álbuns de jazz da história.

A década de 60 presenciava um Miles Davis caminhando perigosamente em direção à obsolescência artística. As circunvoluções do bebop e do cool jazz haviam ficado para trás, e Miles rejeitara enfaticamente a revolução free capitaneada por Ornette Coleman e Albert Ayler, não tanto por conservadorismo estético, pecado de que não se pode acusar-lhe, mas quiçá por vaidade; afinal de contas, não fora ele a lançá-la, o que para seu ego ciclópico já era razão mais do que suficiente para recusar-lhe qualquer mérito, não obstante, hoje sabemos que o irrequieto trompetista, insatisfeito com os contornos que sua carreira vinha assumindo, estava urdindo em silêncio sua própria revolução: a fusão supersônica entre jazz, acid rock, música contemporânea e funk.

Dessa sua fase elétrica de álbuns fantásticos – uma época iluminada, um estágio avançado, onde Miles Davis mostrava a sua genialidade promovendo seguidas obras-primas como In A Silent Way (1969), Bitches Brew (1969), A Tribute to Jack Johnson (1970), On the Corner (1972), Big Fun (1974) e Get Up With It (1974) -, poucas vezes foram vistas explosões sônicas tão viscerais e psicodélicas como essa.

Gravado no Osaka Festival Hall, na tarde de 1° de fevereiro de 1975, Agharta é o primeiro de dois álbuns gerados no mesmo dia – o outro é o concerto noturno registrado no disco Pangaea. Ambos fazem parte da trilogia iniciada com o disco Dark Magus (que mostra show realizado em 1974, em Nova Iorque). Três LPs duplos clássicos, repletos de experimentações e improvisos, trazendo nos créditos quase a mesma formação. Mas o apogeu é mesmo este Agharta.

Plugando um trompete envenenado a um pedal wah-wah, o Mago do Jazz assombra, constrói texturas atmosféricas repletas de efeitos e ecos, irradiando ondas elétricas. Uma música agressivamente funky, com plena liberdade para improvisos coletivos a partir de alguns temas pre-estabelecidos. Seguindo essas pegadas, uma feroz tropa de choque pronta para implodir o jazz: Sonny Fortune (sax / flauta), Michael Henderson (baixo), Al Foster (bateria), Mtume (conga / percussão), Pete Cosey (guitarra / sintetizador / percussão) e Reggie Lucas (guitarra).

Disco duplo, cinco temas longos, sonoridade adrenalítica e caótica desprovida de qualquer tipo de harmonia. Começa com a pegada extrema, mais de 30 minutos de “Prelude” (partes I e II), em uma demonstração insana de free-jazz, com destaque para os solos selvagens de Davis, Fortune e Cosey. A performance de Cosey, por sinal, é um capítulo à parte: auxiliado por um conjunto de aparelhos de distorções eletrônicas, encarna Jimi Hendrix, solando de forma animalesca.

O álbum segue, ameaçando breve trégua em “Maiysha” – providencial para os excelentes trabalhos de flauta de Fortune e percussão de Mtume. Prossegue suando frio pelos andamentos nervosos de “Interlude”, onde “So What” (faixa do lendário álbum Kind of Blue, de 1959) serve de parâmetro para um novo arregaço de improvisos espetaculares. E acaba em completa falta de ar, lá no fim do túnel, com “Theme from Jack Johnson”, num compasso mais frenético e nervoso que o apresentado em outras versões. No mínimo, perturbador! É o final apoteótico de uma maratona desenfreada pelos improvisos do jazz, com o septeto injetando solos desesperados e enfurecidos, experimentações sonoras ensurdecedoras, rock, funk, groove, plutônio, urânio, outra bomba atômica em solo nipônico!

Era desta forma – com um novo bombardeio de jazz supersônico – que o rebelde trompetista sorriu para seus detratores. Acusado de ser um traidor do estilo – um músico que denegriu o jazz ao fundi-lo ao acid rock, blues, funk e aos experimentalismos da música contemporânea -, Davis mostrava cada vez mais não se importar com opiniões conservadoras. Seus discos vendiam bem e seus shows estavam sempre lotados, essa parecia ser a lógica a ser encarada.

Após este registro, o trompetista ficaria cinco anos sem lançar discos ou fazer shows, se recuperando dos problemas de saúde relacionados ao seu intenso consumo de drogas e álcool. Só retornaria em 1981 com o lançamento do álbum The Man With The Horn, iniciando mais um ciclo da sua trajetória genial como músico.

 

 

Lotus (1974) CD 1- Carlos Santana

Lotus (1974) CD 2 - Carlos Santana

Carlos Santana, um dos mais talentosos e criativos guitarristas de todos os tempos foi rebatizado por um guru, como Devadip, que significa " o olho, a lâmpada, a luz de Deus". Sua apresentação no Festival de Woodstock o colocou entre os maiores nomes do rock sessentista. Seus três primeiros discos, Santana (69), Abraxas (70) e Santana III (71) mostram um excepcional músico e arranjador, criador do "estilo Santana" de guitarra e percussão

Sua entrada nos anos 70 foi marcada pela busca espiritual e por sua ligação com o jazz rock. A união desses dois fatores pode ser conferida no disco lançado em parceria com o guitarrista John McLaughlin. Love, Devotion, Surrender (73). Ambos haviam se tornado discípulos do líder espiritual Sri Chinmoy. O disco possui intensas jams e temas mais plácidos - além de uma versão de Naima do saxofonista John Coltrane, outro músico que percorreu caminhos espirituais

A aproximação com o jazz rock não o afastou das raízes latinas, conforme atesta sua performance no Japão registrada no lendário disco Lotus (74). Lançado originalmente como um vinil triplo, Lotus também trazia um caprichado design(as imagens estão distribuidas ao longo da matéria). O repertório do show apresentado na cidade de Osaka alterna músicas de sua primeira fase com temas da sua New Santana Band.

Lotus mostra Santana em um de seus momentos mais cruciais, transitando por diversas linguagens e conseguindo bons resultados em todas. Entre vários destaques, Incident at Neshabur, lançada originalmente no disco Abraxas (70) se tornou uma longa e violenta jam.

 

Fontes: Sinister Salad Musikal’s Weblog; Alfredo RR de Sousa; 1001 Discos para Ouvir Antes de Morre; http://discosetc.blogspot.com/2009/10/santana-1974-lotus-live.html